没後150周年をむかえて、ベートーヴェンも古い衣を脱ぎ捨すました。 ―  アメリカ音楽界の「ドン・ジミー」、ジェームズ・レヴァインがRCAに残した名演。レヴァインの初録音は1972年のEMIへのヴェルディ・歌劇『ジョヴァンナ・ダルコ』全曲盤（ロンドン交響楽団）ですが、レコード界でその手腕が高く評価されたのは、翌1973年８月録音のニュー・フィルハーモニア管弦楽団とのヴェルディ・歌劇『シチリア島の夕べの祈り』全曲盤で、これがRCAへの初録音でした。このレコードでチェロを演奏しているリン・ハレルは、クリーヴランド管弦楽団の首席奏者を務めた後、1971年にこのオーケストラを去り、独奏及び室内楽の方面で活躍するようになったアメリカの気鋭の演奏家である。そして、独奏家として立ってからは、賞や奨励金を受けたほかに、シンシナティ大学のマスター・クラスでチェロを教えている。その上、アメリカばかりでなく、ヨーロッパの幾つかのオーケストラとも共演している。いわばアメリカのチェロ界の大きなホープであった。このハレルは、このレコードでピアノを担当しているレヴァインの指揮で初共演となった記念碑的録音 ― ドヴォルザークのチェロ協奏曲をレコーディングしている。協奏曲、ソナタ、いずれも若さに溢れた２人の演奏家の気概がぶつかりあった爽快なまでの名演だ。このレヴァインは、シンシナティの出身で、幼少からピアノを学び、10歳の時に早くもシンシナティ交響楽団とピアニストとして共演している。その後にジュリアード音楽院でピアノと指揮法の勉強をつづけ、それからクリーヴランド管でジョージ・セルの下に６年間指揮の実地の研修を行った。それ以後、各地の交響楽団を指揮し、やがてシンシナティ５月祭とシカゴ交響楽団の夏期の行事のラヴィニア音楽祭の音楽監督、メトロポリタン・オペラの指揮者に就任したのがちょうど1973年のことで、その後、1975年のイギリス・ロイヤル・オペラおよびザルツブルク音楽祭デビュー、1976年のメトロポリタン・オペラの音楽監督就任、1982年のバイロイト音楽祭デビューなど、RCAにおける10年間はちょうどレヴァインが新進の若手音楽家から、ズービン・メータ、クラウディオ・アバド、リッカルド・ムーティらと並んで、欧米で最も活躍する人気指揮者へと成長した時期に当たります。もちろん指揮者としてのほかに、ピアニストとして、特に室内楽のピアニストとしても、積極的な姿勢を見せている。1976年のラヴィニア音楽祭で演奏して高く評価され、同じ年の12月にニューヨークで一気に録音されたベートーヴェンのチェロ・ソナタ全曲。ハレルとレヴァインによる二重奏は、このレコードで知られるように、極めて息のよく合ったものである。そして、このアンサンブルの中に若さがみなぎっている。例えば、第３番のソナタの第１楽章でのリズムとアクセントの明快さは、たしかに若々しいものを感じさせる。レヴァインのピアノは一見豪放のようであるが、実はチェロとのバランスや駆け引きにも細かい神経を見せている。ハレルも、こうした協力者がいたので、このレコーディングはやりやすかっただろう。とにかく、この２人によるチェロ・ソナタは、活気にあふれた、やる気十分の演奏家の意欲を見せていて、それだけに新鮮さを感じさせるのである。

知性的でありながらも伸びやかさを失わない室内楽。 ―  温かい音色に、４つの楽器が溶け合った朗々とした和音。それでいて、もたれたり、繊細さに欠ける印象はなく、見通しが良い。爽やかさも残すという不思議な印象。テンポの揺れが自然で、そこに息づいている情感の豊かさや呼吸緊密さなどにも、注目すべきものがある。クリーヴランド弦楽四重奏団のデビュー盤。戦前に欧米の大演奏家らが来日して、日本のスタジオでＳＰレコードをたくさん録音している。録音の記録がないのか、CD化されていない録音がまだ多いのは残念ですが、日本の古い童謡や唱歌を演奏したレコードがたくさんあります。滝廉太郎や山田耕筰の唱歌などが、小学校などの授業で楽譜に書かれた音を誤って歌われていると音楽解説番組で取り上げられもしていますが、日本語の発音に影響されないチェロでの演奏などは、日本の演奏者やオーケストラによる録音より音楽的でした。プッチーニが歌劇「蝶々夫人」で日本の旋律の数々を引用しているように、海外の演奏者には関心事のようです。1969年に録音された、ジャン＝ピエール・ランパルのフルート、リリー・ラスキーヌのハープという往年のフランス人名演奏家による「春の海」というレコードと、1982年に録音された「日本の詩情」と題されたアルバムは演奏、録音ともによく忘れることは出来ません。その「日本の詩情」がクリーヴランド管弦楽団アンサンブルによる演奏でした。そうした出会いもあり、クリーヴランド四重奏団には関心を寄せて聴いています。それは Philips発売で録音が良く、やがてデジタル録音の高品質盤で有名になる当時の、Telarcの社長と副社長が録音に携わっていた。ロリン・マゼール指揮でクリーブランド管は「春の祭典」「展覧会の絵」「幻想交響曲」をTelarcに続々録音。デモンストレーション効果の高い管弦楽曲の人気曲のリリースがひと通り揃うと、ベートーヴェンの録音を集中的に行った。クリーヴランド四重奏団の弦楽四重奏曲全曲録音は、デジタル録音で完成された最初の全集ではなかったか。ベートーヴェンの弦楽四重奏の世界にどっぷり浸かって数多の演奏家で聴いてしまうと、何が自分の好みで、何が自分にとって嫌いか、ということがますます鮮明になる。これだからクラシックの愛好家は偏屈だと言われてしまうところなのだろう。

細部に宿る驚愕の数々。 ―  この盤が発売された当時、センセーショナルなまでの反応を受けた、正に彼らの金字塔のひとつとでも言うべき重要な録音であるベートーヴェンの後期弦楽四重奏曲。このベートーヴェンは新ウィーン学派の作品群と合わせ、大きな評価を獲得した彼らの代表盤のひとつです。アンサンブルの緊密さと明晰なまでの解釈を合わせ持った、歴史に残る名盤として今後も語り継がれてゆく逸品です。ベートーヴェンは16曲の弦楽四重奏曲を書いた。このうち第12番から16番までの「後期四重奏曲集」は、ベートーヴェンが書いた音楽の最高峰として格別の敬意が払われている。『運命』や『英雄』『皇帝』のような劇的な中期の作風から、より内省的で思索的な後期の作風へ。枯淡の境地とでも言うべきか。曲に与えられる標題も私的なものに変わっている。自らの「顔=思想」を現実の音として鳴り響かせようとする強靭・酷薄とさえいえる意志からきている、いわゆる中期、これがベートーヴェンのベートーヴェンらしさであるとともにアイロニーでもあると仮に言うなら、後期の作品群とは、こうした「中期=壮年」的な意志=人格=顔を半ば放棄しつつ、その支配への欲望の諦めと主題や慣用句や常套句へのほとんどフェティッシュ=観念的なかかわりのうちに絶頂に達せんとする、非人称的で半ば「作者」不在の「反作品」といえるだろう。ベートーヴェンは第11番「セリオーソ」の作曲後、14年間弦楽四重奏曲に着手する事はなかったが、その後、弦楽四重奏曲５曲と大フーガを作曲している。「後期四重奏曲集」は、ベートーヴェンがこの14年のブランクの後に作曲した。ロシアのニコラス・ガリツィン公爵から弦楽四重奏曲の依頼を受けこの曲を作曲したため、第12番、第15番 、第13番とあわせたこの３曲を「ガリツィン・セット」と呼ぶ事もある。弦楽四重奏曲と言う形式での長い沈黙と、第９交響曲の創造を経験した当時最先端の作曲の達人の手になる作品は、「セリオーソ」から随分と変貌を遂げたと見られていたらしく、初演時にはベートーヴェンの創造的進化の苛烈さには、発展に迅速なところがあることを知っていただろう彼の愛好家すら狼狽していたのである。「交響曲第９番」がベートーヴェンが到達した、最も理想的なベートーヴェンらしさとする見解から逃れるのが難しかったら、「第９」後の作品に対しては曖昧なもの言いになってしまいかねないだろう。「よくわからない」だとか「微笑」だとか「奇跡」だとか言って茶を濁し、後期の弦楽四重奏曲群が、謎めいた楽曲群であるという見解は、案外当時は一般的なものであったかも知れない。この曲の第３楽章が、「病癒えし者から神への聖なる感謝の歌、リディア旋法による」と題され、全５楽章の中心となっている。リディア旋法は、中世ヨーロッパで使われた教会音階の一つ。ほかにドリア旋法、フリギア旋法、ミクソリディア旋法などの種類がある。病癒えし者とは大病を患ったベートーヴェン自身のこと。ひとたび死を予感した作曲者の苦悩と、快癒したことへの感謝の念が綴られているとても感動的な楽章だ。「大フーガ」と言う訳のわからぬ大曲があるがために、ベートーヴェンの後期弦楽四重奏曲群は、未だに霊峰のような偉大かつ謎めいた雰囲気を保ち続けているようである。ラサール四重奏団の演奏する古典の名曲は、独特の響きで心に迫ってきます。聴いていて嫌な音は何一つ立てない。スマートでストレートで腹にもたれないクールなもの。その後に現れた四重奏団に比べると、何か禁欲的なまでに「静謐な」演奏をする人達という印象もある。どこを取り出しても音色の質が均質というあたり、ハーゲン四重奏団の極限の音色感覚とかを聴いてしまうと、もっと細やかな描き分けが欲しいということも出てくるだろう。それがラサールの持ち味でもあるだろうが、これが聴く人によっては巌しく感じられる場合もあるのでしょう。ハーゲンの極限の音色感覚とかを聴いてしまうと、もっと細やかな描き分けが欲しいということも出てくるだろう。この大理石の現代彫刻に手で触れるかのような、現代的でありつつも安定感の高い落ち着いたひんやりとした感触に寧ろ安心感を感じるのです。彼らの演奏は、美しいアンサンブルの音色といった価値感や、作品から文学的なドラマや宗教的な迄の精神性といったようなものにその重点を置いてはいないようです。そのアンサンブルは、何処までも音そのもののリアリティが最優先され、結果聴く者に未聞の世界を体験させてくれます。

ジェームズ・レヴァインは才能を持て余してしまった指揮者。ピアノ、室内楽、コンサート指揮、オペラ指揮という４つの分野で活躍していた才能にはすごいものがありました。 ―  ジェームズ・レヴァインといえば、どんなオーケストラを指揮しても鳴りっぷりの良いサウンドを引き出す天才的な手腕と、楽曲構造を堅牢に示し、旋律も正確な拍でよく歌わせるという完成度の高い音楽づくりに特徴があります。10歳でピアニストとしてデビューしたレヴァインは、その後、ルドルフ・ゼルキンや、ジョゼフ・レヴィン、ジャン・モレル、そしてラサール四重奏団のワルター・レヴィンといった巨匠たちの薫陶を受け、さらに1965年からの５年間はジョージ・セルの助手を務めて実力をつけていきます。そうした努力が実って、1970年、27歳でフィラデルフィア管弦楽団で指揮者デビューして成功を収め、同年、サンフランシスコとウェールズではオペラ・デビューして評判となり、翌年にはメトロポリタン歌劇場にも登場、1973年にはシカゴ交響楽団のラヴィニア音楽祭音楽監督に就任するという、プロとして華々しいスタートを切ることになったレヴァイン。1980年代なかばにRCAからドイツ・グラモフォンに移ってからは、重厚さや抒情美への傾倒もみせるようになり、声楽大作の指揮でも実力を発揮しました。また、長年メトロポリタン歌劇場で培った劇場感覚を活かした起伏の大きな指揮にさらにスケール感が加わったのもこの時期の特徴で、1990年代なかばまでの約10年間に集中して数多くの録音を制作することになります。ピアノ、室内楽、コンサート指揮、オペラ指揮という４つの部門で腕を磨き、それぞれの分野で活躍していたレヴァインの才能にはすごいものがありましたが、レコーディングでもそれは確認することが可能です。ラサール弦楽四重奏団は、1946年にヴァイオリンのヴァルター・レヴィンによって結成され、寄贈されたアマティの楽器を用いて演奏してきました。メンバーはヴァルター・レヴィン（第１ヴァイオリン）、ヘンリー・メイヤー（第２ヴァイオリン）、ピーター・カムニツァー（ヴィオラ）、リー・ファイザー（チェロ）。1980年録音のシューマンのピアノ五重奏曲ではピアノにジェームズ・レヴァインを迎え、豪華な共演となっております。ラサール四重奏団の演奏する古典の名曲は、独特の響きで心に迫ってきます。聴いていて嫌な音は何一つ立てない。スマートでストレートで腹にもたれないクールなもの。その後に現れた四重奏団に比べると、何か禁欲的なまでに「静謐な」演奏をする人達という印象もある。どこを取り出しても音色の質が均質というあたり、ハーゲン四重奏団の極限の音色感覚とかを聴いてしまうと、もっと細やかな描き分けが欲しいということも出てくるだろう。それがラサールの持ち味でもあるだろうが、これが聴く人によっては巌しく感じられる場合もあるのでしょう。ハーゲンの極限の音色感覚とかを聴いてしまうと、もっと細やかな描き分けが欲しいということも出てくるだろう。この大理石の現代彫刻に手で触れるかのような、現代的でありつつも安定感の高い落ち着いたひんやりとした感触に寧ろ安心感を感じるのです。彼らの演奏は、美しいアンサンブルの音色といった価値感や、作品から文学的なドラマや宗教的な迄の精神性といったようなものにその重点を置いてはいないようです。そのアンサンブルは、何処までも音そのもののリアリティが最優先され、結果聴く者に未聞の世界を体験させてくれます。レヴァインは伴奏ピアニストとしてのうまさは定評あるものだが、この人は根が健全すぎないだろうか、決して弦楽器と張り合いすぎない巧妙なスタンスで役割を果たしている。その核融合が、恐らくこの演奏を口当たりのいいものにするのには相当貢献している。何かひどく静かな落ち着いた時間と空間の中にいるかのような感触がする。

飽くなきリアリティを探究した〝アンサンブルの神〟 ―  この「弦楽五重奏曲ハ長調 D.956」は、1828年９月ごろ、同年11月のシューベルトの死の直前に書かれました。通常の弦楽四重奏にチェロがもう一人加わり、低音を軽やかにした五重奏になっています。シューベルトの五重奏曲は、その編成がユニークだ。ピアノ五重奏曲「ます」がチェロではなくコントラバスなのは、リズムを支えることから左手が自由になったピアノが闊達にメロディーを奏でられるように心配ったからだった。ピアニストは、同時期のシューベルトの室内楽曲を研究すると、ピアノでどのように対位法、リズム、音色を表現したらいいか、参考になるはずです。第２チェロを加える事で第１チェロが伴奏から開放された、シューベルトの弦楽五重奏曲は小さいオーケストラ曲といえるスケールが魅力だ。最小に切り詰めた弦楽四重奏では難しい、オーケストラ曲のような響きや発想で作曲されています。第１チェロは内声を担当し、時に、第２チェロと、ユニゾンでバスを弾きます。第２チェロは、この五重奏の土台となるバスを渾身の力で支えるのです。ラサール弦楽四重奏団は、1946年にヴァイオリンのヴァルター・レヴィンによって結成され、寄贈されたアマティの楽器を用いて演奏してきました。メンバーはヴァルター・レヴィン（第１ヴァイオリン）、ヘンリー・メイヤー（第２ヴァイオリン）、ピーター・カムニツァー（ヴィオラ）、リー・ファイザー（チェロ）。1977年録音の本盤は第２チェロにリン・ハレルを迎え、豪華な共演となっております。ラサール四重奏団の演奏する古典の名曲は、独特の響きで心に迫ってきます。これが聴く人によっては巌しく感じられる場合もあるのでしょう。彼らの演奏は、美しいアンサンブルの音色といった価値感や、作品から文学的なドラマや宗教的な迄の精神性といったようなものにその重点を置いてはいないようです。そのアンサンブルは、何処までも音そのもののリアリティが最優先され、結果聴く者に未聞の世界を体験させてくれます。多彩なレパートリーの中でもとりわけロマン派の作品を得意とした当団による演奏には定評があり、〝アンサンブルの神〟とも言える室内楽の極みを堪能させてくれます。

愛娘のエレーナ・ギレリスと録音した、一本の短編小説が想像出来るようなシューベルト ―  「幻想曲ヘ短調」は、シューベルト最期の1828年に作曲されたピアノ連弾曲です。シューベルトの30曲以上ある連弾曲の中でも、とりわけ高い音楽的内容をもつ傑作と言われています。連弾とは２人のピアニストが１台のピアノを低音と高音に役割を分担し演奏します。シューベルトの連弾曲の殆どはエステルハージー伯爵令嬢のマリーとカロリーネのピアノのレッスンのために作曲されています。この「幻想曲ヘ短調」はシューベルトが恋心を抱いた伯爵令嬢カロリーネのために自分の思いを込めて作曲し、カロリーネに献呈されています。曲は全体的にやや暗い雰囲気の中に哀愁帯びたメロディとその変奏で全曲が進みます。単一楽章形式ですが全体は大きく４つの部分で出来ていています。静かに始まるイントロから、ドラマチックで訴えかけてくるような旋律が惜しげもなく繰り出され、約18分半の長尺曲であるにも関わらずあっというまに過ぎ去ってしまいます。歌曲王のシューベルトだけあって、メロディだけのピアノ曲であっても物語性が濃厚なせいか、一本の短編小説が想像出来るような造りになっています。昨日のモーツァルトの「２台のピアノのための協奏曲」をさらに親密になっているようで、シューベルトの音楽を挟んで、数々の思い出話を対話しているようだ。エミール・ギレリスが愛娘エレーナと連弾を披露した1978年録音。飾っておきたいほどだ、ジャケットの表情が微笑ましい。２人の対話が弾んでいるようなだけでなく、「ラルゴ」から「アレグロ・ヴィヴァーチェ」へアップテンポ且つ熱情的に展開する箇所でもギレリス・デュオの息はピッタリで、ピアノ連弾の面白さが堪能出来ます。誰が言い出したのか、ギレリスのピアノは〝鋼鉄〟と比喩され、彼の演奏は常にそのイメージ、いや先入観をもって聴かれてしまったように思います。しかしながら、この〝鋼鉄〟は、あまりにも一面的な評価にすぎません。ギレリスのピアノ演奏は、その内面からくる音楽解釈の深さと卓越した技巧により常に私たちを魅了し続けており、現在でも多くの音楽ファンは楽曲の本質的な演奏をギレリスに求めています。名ピアニストの故ギレリスは強靱なタッチで迫力ある演奏を聴かせるばかりでなく、とっても繊細でロマンティックな所もあり、その対比が絶妙で実に素晴らしい。ギレリスが亡くなった齢はまだ69歳で、演奏旅行に出かける直前の予防注射の接種ミスとも言われる不幸な事故での急死だった。米ロの冷戦の最中、西側登場以前、以後ともに豊富な録音が残されていますが、ギレリス50歳代後半、まさに脂の乗り切った絶頂期の録音で若い時から比類ないと云われてきた完璧なテクニック、ピアノを豪快に鳴らしきった明快な音はそのままに表現は一層深みを増している感じ。

予期せぬモーツァルト ―  ふたりの偉大な音楽家がそのキャリアの頂点で出会った当時、最高峰のモーツァルト演奏 ― ギレリスがソロとしての支配的な部分とオーケストラを補う部分を交互に演じることによって、演奏に寄与した。（Linzer Volksblatt 紙評）エミール・ギレリスの協奏曲録音のなかで重要な位置を占める名盤の誉れ高い1973年録音。〝鋼鉄のピアニスト〟と呼ばれるだけあり、力感に満ちた表現を聴かせます。誰が言い出したのか、ギレリスのピアノは「鋼鉄」と比喩され、彼の演奏は常にそのイメージ、いや先入観をもって聴かれてしまったように思います。しかしながら、この「鋼鉄」は、あまりにも一面的な評価にすぎません。ギレリスのピアノ演奏は、その内面からくる音楽解釈の深さと卓越した技巧により常に私たちを魅了し続けており、現在でも多くの音楽ファンは楽曲の本質的な演奏をギレリスに求めています。名ピアニストの故エミール・ギレリスは強靱なタッチで迫力ある演奏を聴かせるばかりでなく、とっても繊細でロマンティックな所もあり、その対比が絶妙で実に素晴らしい。ギレリスが亡くなった齢はまだ69歳で、演奏旅行に出かける直前の予防注射の接種ミスとも言われる不幸な事故での急死だった。米ロの冷戦の最中、西側登場以前、以後ともに豊富な録音が残されていますが、ギレリス50歳代後半、まさに脂の乗り切った絶頂期の録音で若い時から比類ないと云われてきた完璧なテクニック、ピアノを豪快に鳴らしきった明快な音はそのままに表現は一層深みを増している感じ。モーツァルトを中心に据えたプログラムで構成されたザルツブルク音楽祭50周年の記念の1970年８月に、カール・ベーム指揮ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団とギレリスのモーツァルトのピアノ協奏曲第27番は〝予期せぬモーツァルト・フェスティヴァル〟に最大の貢献をした（Die Wochenpresse 紙のゲルハルト・マイヤー評）。〝世界最高のモーツァルト弾き〟であることが求められたギレリスであったが、その演奏は完璧であった。テンポやフレージングの選択は、細部としても全体としても齟齬がなく、ピアノとオーケストラの掛け合いも絶妙に構成されていた ― ギレリスが前面に出て来なかったわけでは決してないが良い意味で〝協奏曲的〟であった ― 全体として伝統的なモーツァルト解釈を尊重しつつも非常に自然で、それでいて説得力のある演奏だった。ふたりの偉大な音楽家がそのキャリアの頂点で出会ったのが、このザルツブルク音楽祭でのコンサートだった。この最高峰の音楽イヴェントは、ギレリスが当時最高のモーツァルト・ピアニストであったことを証明している。そしてまた、円熟期のベームはオーケストラを鼓舞し聴衆に感動を与える方法を知り尽くしており、彼らの期待以上の音楽を創造していたことを今に伝えている。その３年後にオーケストラはウィーン・フィルハーモニー管弦楽団に代わりムジークフェラインザールでのセッションが行われ本盤として結実した。ギレリスが正規盤として遺した数少ないモーツァルトの「ピアノ協奏曲」の１枚。しかも余白は親子の競演「２台のピアノのための協奏曲変ホ長調 K.365（316a）」は娘エレーナとの初共演録音でした。モーツァルトが死の年に書いた最後の「ピアノ協奏曲第27番変ロ長調 K.595」は、晩年の彼特有の清澄な作品として広く知られています。欧米をはじめ世界的な活躍を続けたピアニストのギレリスが、ベームとウィーン・フィルハーモニーの好サポートを得て行ったこの録音は、作品の本質を的確に捉えた詩情溢れる演奏として高い評価を得ています。明るい楽想に満ちた「２台のピアノのための協奏曲」は全体に喜ばしい気分が溢れる作品。巨匠ベームとウィーン・フィルのバックも素晴らしく「２台のための協奏曲」では父娘の息の合った絶妙なテクニックも聴きものです。また、ギレリスのベームとの唯一の共演盤でもあります。たっぷりしたテンポで愛情をこめて弾くピアノはあたたかい音色に芯があって美しく、現代ピアノで聴くモーツァルト演奏の喜びだ。遊びはなく禁欲的で第２楽章には感じ切った深い情感がこもる。大人の演奏だ。ベームもここでは比較的良い。第３楽章ではギレリスの技術のすごみ、指の回りが各所で看破できるが、それが音楽の本質にだけ寄与しているというのは演奏家として最高の境地ではないか。

鋼鉄のピアニスト・ギレリスのすごさが如実に味わえる。ただただうっとり。 ―  ギレリスの協奏曲録音のなかで重要な位置を占める名盤の誉れ高い1972年録音。〝鋼鉄のピアニスト〟と呼ばれるだけあり、力感に満ちた表現を聴かせます。ただ、やり過ぎという感じはなく、ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団と共に強い構成感を感じます。さらにオイゲン・ヨッフムとベルリン・フィルが絶妙なアンサンブルで、素晴らしいブラームスを奏でている。オーケストラやピアノの力量のすごいことはわかる。でも、こういうふうにやらなくても、ブラームスの圧倒的な凄さは現せるので、この演奏のよさがわからない。それでも、骨太のピアノとベルリン・フィルの完璧なアンサンブルは素晴らしい。名ピアニストの故エミール・ギレリスは強靱なタッチで迫力ある演奏を聴かせるばかりでなく、とっても繊細でロマンティックな所もあり、その対比が絶妙で実に素晴らしい。おそらくヨッフムとの相性も良いのだと思います。同時期にヨッフムはドレスデン国立管弦楽団とブルックナーの全集をEMIに入れている。ヨッフムがベルリン・フィルから見事なブラームス・トーンを引き出し、重厚感たっぷりの演奏を聴かせ、ドッシリ構えてギレリスをサポートしています。ブラームスのピアノ協奏曲は、オーケストラが重要な役割を果たす場面が連続する作品で、それだけに指揮者とオーケストラには、まるで交響曲のような演奏のグレードが求められるため、これまで名盤といわれてきたものの多くが、有名オーケストラと指揮者によるものだったのも頷けるところです。そうした名盤群の中でも、もっと気骨のある演奏が聴きたいと思ったとき、本盤は最適な巡り合わせとなる。このギレリスと名指揮者ヨッフム指揮ベルリン・フィルによる演奏で、パワフルなピアノと、オーケストラの壮大な演奏が、図抜けた存在感を示していたものでした。20世紀ドイツを代表する名匠ヨッフム（1902〜1987）は、1902年11月バーベンハウゼン生まれ。ドイツ・グラモフォンへ数多くの録音を特に1950、1960年代という壮年期に行っています。ベートーヴェン、ブラームス、ブルックナーという三大Ｂの作品では、最も熱く、渋く、重厚、そしてロマンティックで熱情的な演奏は、現在においても名盤として称賛され続けています。1972年にベルリンのイエス・キリスト教会で録音されたこの協奏曲は、従来のピアノ協奏曲とは一線を画した〝ピアノ付き交響曲〟といった趣の、気宇広大ともいえるスケールがある。抑制された沈鬱感が横溢する晦渋さを湛えた作品。この教会での録音ならではの野太い音質も功を奏し、きわめて重厚なサウンドがリスニング・ルームを埋め尽くしてくれます。ヨッフムとベルリン・フィルの純ドイツ的な響きも聴きもの。録音はややオーケストラから距離をおき、ピアノは適度に位置します。

ホロヴィッツの愛弟子であるロナルド・トゥリーニ ―  退屈したんで弟子をとったんだ。私の生徒として認めるのは、バイロン・ジャニス、ロナルド・トゥリーニ、ゲイリー・グラフマンだけだ。誰かほかの者が私の弟子だといっても、それは本当じゃない。私の前で演奏した者はほかにもいる。でも進歩しないんで教えるのをやめたんだ。彼らは私のいうことに従わなかったか、従えなかったんだ ― そう語るのは、ヴラディーミル・ホロヴィッツ。ロナルド・トゥリーニ（Ronald Turini）は1958年ジュネーヴ国際コンクールでポリーニと１位なしの２位を分け合った経歴をもつピアニストで、７人しかいないホロヴィッツの弟子の１人としても知られている名手。1934年９月30日ケベック州、モントリオール生まれ。10歳で、カナダ放送協会でプロのデビューを果たしました。ケベック音楽院の奨学金を16歳で受けて、ホロヴィッツの門をたたく。ホロヴィッツは彼の演奏を聴いて、十分に感心して師事を初めます。ホロヴィッツの弟子として喧伝されたカナダのピアニスト、トゥリーニのデビュー・リサイタル〝Piano Music Of Schumann, Liszt, Hindemith, Scriabin〟 ― シューマンのソナタ第２番ト短調作品22、リストの巡礼の年・第２年：イタリアから「ペトラルカのソネット第104番」、ハンガリー狂詩曲第12番、ヒンデミットのソナタ第２番とスクリャービンの８つの練習曲から第５番嬰ハ長調 作品42第５。

1961年１月23日にカーネギー・ホールで行われたライヴ録音で、〝カーネギー・ホール125周年記念〟して発売されたCD43枚組の「グレート・モーメンツ・アット・カーネギー・ホール」でCD２枚にこの世の演奏会全てが聴ける。ほかにショパン、スカルラッティ、メンデルスゾーン、ラヴェルを披露している。ズービン・メータ指揮モントリオール交響楽団とシューマンのピアノ協奏曲も演奏しており、このとき「情熱と力」と「静かな感性」を併せ持つと賞賛された。以来、シカゴ、ナショナル、トロント、モントリオール交響楽団、ヨーロッパではロイヤル・フィルハーモニック管弦楽団、ロンドン・フィル、BBC交響楽団、レニングラード・フィルなど多くのオーケストラと共演。その後、1964年と1967年にカーネギー・ホールで凱旋公演。翌1968年には、ヒンデミットの「ヴィオラとピアノのためのソナタ」の録音がグラミー賞の最優秀室内演奏賞にノミネートされました。その他の候補には、ジュリアン・ブリーム 、ヤッシャ・ハイフェッツ、アイザック・スターンのレコードが含まれる。彼は最初のカナダ人音楽家としてロシアの３回のツアーを達成したほか、南アメリカの３回のツアーを行い、２回の来日ツアーを行っている。グラモフォン誌は1965年にRCAレッドシールから発売された本盤に、〝数多いピアニストの演奏の中で、彼の多彩な音色はすぐ聴き分けられる〟〝類まれな能力のピアニスト〟と賞賛していました。